Artistas Argentinos Asociados fue una productora independiente creada en 1941, por el director Lucas Demare, los actores Francisco Petrone y Angel Magaña, el productor Enrique Faustin, el actor y director Elías Alippi y Enrique Muiño, a los que se sumaron los escritores Ulyses Petitt de Murat y Homero Manzi,  Julio Ferrando, el ayudante de dirección Rubén Cavallotti, el escenógrafo Ralph Papier, el director de fotografía Bob Roberts y el montajista Carlos Rinaldi.

Eran un grupo de jóvenes apasionados que despotricaban contra el mercantilismo y la alarmante falta de inquietudes. Creada en el marco de la época de oro del cine nacional, su propósito era imprimir un nuevo sesgo al cine nacional. Hacer buenas películas con temas nacionales, pero que además fuesen comerciales. Estaban en la búsqueda de una expresión cinematográfica auténtica. Tuvieron un control total de sobre sus materiales, como así también una gran claridad ideológica que compartían por igual. El sello estaba conformado sólo por los aportes de sus fundadores y de otros privados. La primera producción fue El viejo Hucha (L. Demare) y su mayor éxito fue La guerra gaucha (1942, L. Demare) cumbre del género épico en nuestro país. La empresa cierra sus puertas en el año 1956.

ABSTRACTO, CINE: tuvo su auge en al década del ´20 en tiempos de las vanguardias europeas donde sus realizadores provenían de la pintura y la música. Fue un cine que se declaró en contra de los modelos narrativos clásicos provenientes de Hollywood. Para estos autores la creación se basaba en la experimentación con los elementos escenciales del cine: la luz y el movimiento. Un cine de imágenes y movimientos que no se aferraba a contar una historia determinada. Los pintores dadaístas alemanes Walter Ruttman y Hans Richter junto al pintor sueco Vikking Eggeling fueron los iniciadores del cine abstracto inaugurando la escuela experimental alemana que nacía bajo el signo de la abstracción y el geometrismo. Ellos buscaban el ritmo de las formas puras y de la música visual. Berlín, sinfonía de una ciudad (1927- de Ruttman) muestra imágenes documentales de la ciudad, estructuradas como una secuencia temporal a través de un día. Otros representantes de este cine fueron Man Ray, Germaine Dulac, Harry Smith, Jordan Belson, entre otros.      

ACTOR´ S STUDIO: Escuela de Arte Dramático creada en 1947 por Elia Kazan, Cheryl Crawford y Robert Lewis. Se basaron en los métodos de actuación del actor y director ruso Konstantin Stanislavski basados en la exploración del carácter, pero será Lee Straberg, director de la escuela desde 1951, quien los adaptará a los años cincuenta adosando la indagación introspectiva y la motivación psicológica, donde el cuerpo actúa como catalizador y priman los diálogos internos. La Escuela se relacionó con los dramaturgos como Arthur Miller, Tenessee Williams y Edgard Albee. Significó una nueva manera de interpretar, un intercambio entre la representación teatral y la cinematográfica. Una de sus estrellas fue Marlon Brando debutando con el nuevo método en Nido de ratas (1954), otros que pasaron por la Escuela fueron: James Dean, Ben Gazzara, Steve Mc Quenn, Paul Newman, Joanne Woodward, entre otros. 

ADAPTACION: comúnmente se designa a las obras literarias devenidas al cine. Adaptar significa reacomodar un formato con sus códigos propios en otro distinto que lo moldeará según su propio lenguaje. Este proceso trae el inconveniente del reclamo de fidelidad hacia el original, pero hay un error conceptual que radica en creer que el cine debe representar en vez de presentar algo preexistente. Para evitar esa confusión conceptual, en vez de hablar de adaptación es más preciso y adecuado hablar de transposición. La transposición designa la idea de traslado, de poner algo en otro lugar, y de sacar ciertos modelos de uno, pero pensando en las formas y sistemas del otro. Es una manera de dar lugar al cine como medio autónomo, con su riqueza y amplitud de lenguajes, no  inferior a las artes nobles como se designan a la literatura y al teatro.      

ANALISIS DE FILM: es una mirada sobre el cine con un rigor más analístico, académico y profundo. Trata de meterse dentro del film para ver cómo se compone, se pregunta por el sentido y diseña las herramientas necesarias para acceder al conocimiento de la película. En los `50 comenzaron a  practicar metodologías de acceso a las películas que fueran más allá del comentario argumental. Pero su auge será en lo ´60 conjuntamente con el surgimiento de la semiología y la influencia de ciencias como la sociología, la historia y la psicología que influyeron y aportaron sus distintas miradas para entender un film. Por ejemplo, el analista establece un corpus de films para probar una idea al respecto de un género, así seleccionará aquella operación que resulte más pertinente para obtener el resultado que busca con ayuda de otras disciplinas. El valor provisto por el análisis es taxonómico, basa su sentido en la catalogación del objeto analizado. Determina dichas categorías, pero no establece un valor de virtudes o defectos a un film, ya que eso le corresponde a la crítica, ni tampoco hace una reflexión sobre el cine en general porque eso lo haría la teoría del cine. Actualmente, la división entre análisis, crítica y teoría es menos rígido, sin embargo hay distintas corrientes de opinión al respecto.   

ANGULACIONES DE CAMARA: la cámara colocada sobre un trípode, el cual que puede subir o bajar según la necesidad de registro, dio origen a las distintas angulaciones que podían experimentarse. Estas están en relación a la altura de los ojos de la figura humana. Así, surgieron cinco tipos de angulaciones:

1-     Aplomo: la cámara apunta perpendicularmente hacia el suelo.  

2-     Picada: la cámara se dirige a la cabeza humana desde encima de la altura de sus ojos.

3-     Normal: la cámara se encuentra a la altura de la cabeza

4-     Contra-picada: la cámara se dirige a la cabeza humana desde debajo de la altura de los ojos.

5-     Supina: la cámara se dirige perpendicularmente hacia el cielo. Es el sentido  contrario al aplomo.

ANIMACION: dotar de movimiento a algo inanimado es, ni más ni menos, el objeto de la animación, realizado a través de un procedimiento mecánico o electrónico que pertenece al ámbito del cine y la televisión, pero con una relación directa a las artes visuales clásicas (dibujo, pintura, escultura y hasta la fotografía). Con los truco de Méliès y con la posibilidad de impresionar la película cuadro por cuadro el dibujo animado cobró vida, considerando a Fantasmagorie (1908, Emile Cohl) como el primer film de dibujos animados. En la Argentina, el primer largometraje de animación fue El Apóstol (1917, Quirino Cristiani) parodiando la figura de Yrigoyen. La técnica inicial llamada stop motion consistía en imágenes dibujadas, maquetas, marionetas, etc. que se registraban fotograma por fotograma y que cobran movimiento sólo al ser proyectadas, luego vendrá la pixelación (se usan objetos auténticos que cobraban “vida”), la rotoscopía (dibujar sobre la referencia) así se realizó el primer largo sonoro de Disney, Blancanieves (1937), la animación de recortes (cutout animation recortar figuras para reconstruirlas), y más avanzados con una tecnología superior se encuentran: el sistema inercial ( se capta el movimiento humano a través del sistema Xbus), la animación digital, el 3d y 4d. Actualmente se pueden crear cualquier tipo de imágenes, nada es imposible para el cine.

ANIMÉ: se refiere a la animación japonesa, anteriormente conocida como Japanese Animation, luego Japanimation, hasta que esa denominación cayo en desuso a mediados del los noventa y se redujo sólo a animé. Puede mezclar varios géneros: acción, aventura, ciencia ficción, erótico, romance, historias infantiles y está destinado a todo tipo de público. La mayoría de las veces es una adaptación del manga (comic japonés) en vídeo y sus fuentes de inspiración son muy variadas e incluyen mitología griega, nórdica, leyendas, obras clásicas. Se diferencian con el dibujo animado tradicional en cuanto a sus temas, sus historias tienen un contenido más profundo y emocional, en la relación más compleja entre los personajes, y en la importancia a la muerte de algún personaje. Trata de ocuparse de los asuntos “de la vida real”. Otra diferencia es su técnica, utilizan menos cuadro de animación por segundo (8 cuadros) cuando los otros usan 24 o 12. Ej. Los caballeros del zodíaco (Yasuhito Kikuchi, Kôzô Morishita), Dragon Ball Z (Akira Toriyama), Akira (Katsushiro Otomo), Pokémon (Kunihiko Yuyama) entre otros.

ARTE, CINE: se denomina a una clase de cine contraria al cine comercial, con una distribución menor en las salas de exhibición, lejos de ser un producto masivo, apunta a un público mayormente cinéfilo y responde a la creación individual donde la autoría del director impone su sello personal. Es un cine que aborda diversas temáticas narradas con mayor compromiso ético y estético sobre la obra y el concepto del cine en general, suelen ser más reflexivas y con un tratamiento más profundo, se atreven a jugar con la experimentación, y con un grado de análisis mayor en cuanto al uso de los distintos lenguajes y herramientas que provee el cine como medio de expresión. Ha sido un cine que encontró su lugar y su difusión en cineclubs, salas de arte y ensayo o circuitos alternativos.             

AUDIOVISUAL: es una técnica de difusión bifuncional, porque integra e interrelaciona las imágenes con el sonido y visceversa. El cine es un medio de comunicación audiovisual a partir de la incorporación del sonido. La conjunción entre lo visual y lo auditivo produce un nuevo lenguaje, una nueva forma de comunicación y de percepción que se produce de manera simultánea. Además, el mensaje emitido puede: reforzarse entre sí, contrastarse (el significado nace del contraste entre ambos), complementarse y armonizarse (a cada sonido le corresponde una imagen).

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B Es lo comúnmente llamado “detrás de escena”, donde se ubica todo el equipo técnico, las cámaras, el director, los maquilladores, etc. Un espacio que el público no presencia al ver una película y en donde se desarrolla lo previo y lo posterior a la realización dentro del set. Actualmente, las películas traen como anexo esa sección para que veamos cómo se filmó la película, que sucede en las instancias del rodaje, los detalles, como se comportan los actores y el director fuera de escena, es un lugar que invita al espectador a “espiar” y a familiarizarse más con lo visto, una manera de acceder a un lugar imaginario.  

BANDA SONORA: es todo lo que el espectador escucha en una película, o sea: los diálogos, los ruidos, la música y el sonido del ambiente, los sonidos envolventes, los efectos sonoros, etc. Cada uno de estos sonidos se graba en bandas por separado, para luego ser mezclados en una sola banda que los contenerá a todos y que será el sonido definitivo de la película. Hay sonidos que se graban en directo y otros postsincronizados que se ligarán a la imagen vista de manera sincronizada. Con la llegada del sonoro, el cine se transformó en un medio audiovisual, donde a partir de la unión de imágenes y sonidos se forma un todo inseparable: la película.   

BÉLICO, CINE: hace referencia a las películas de guerra y posguerra dentro de los siglos XX y XXI, tanto en el género documental, como en ficción y en una mezcla de ambos lenguajes. Su esplendor lo alcanzó a partir de la Segunda Guerra Mundial donde los países beligerantes utilizaron el cine como espejo de sus diferencias. Con la participación de Estados Unidos en la guerra, Hollywood destinó la mayor parte de su producción para reflejar dicha contienda. Muchos actores y directores se alistaron para combatir y luego trasmitirlo en la pantalla: La batalla de Midway (1942-John Ford), The Menphis Belle (1944 -William Wyler), etc. Los films bélicos tienen distintas intencionalidades según su origen, su participación, y su concepción sobre la guerra, por ende pueden: promover el heroísmo, exhaltar el espíritu nacionalista, posar su mirada sobre el sacrificio del soldado, el cumplimiento del deber y la cooperación, algunos incentivan el pacifismo, o sirven de propaganda y/o campañas de concientización Por qué combatimos? (1942-1945 Frank Capra) es un claro ejemplo. Los ingleses dejaron un testimonio menor, algunos fueron, Temple de acero (1944- Carol Redd) o la impronta realista de la mano Alberto Cavalcanti con 48 horas de terror (1942) y documentales, entre ellos, World of Plenty (1943- Paul Rotha) sobre el hambre que deriva de la guerra. Francia, ocupada y censurada, ha dejado poco testimonio, el documental La batalla del riel (1945- René Clement), y Esta tierra es mía (1943) film antinazi de Jean Renoir desde exilio, pueden servir de ejemplo. La guerra de Vietnam también ha sido retratada prolíficamente en films como Apocalypse Now (1979-Francis Ford Coppola), Pelotón (1986- Oliver Stone), La delgada línea Roja (1998-Terrence Malik) etc. El cine bélico como género funciona como testimonio histórico de las situaciones límites vividas por los hombres, donde el arte se pone a su servicio.                      

BLUESCREEN: o pantalla azul. Es un efecto especial muy utilizado en la historia del cine que permite tomar distintos elementos: objetos y actores en forma separada y grabarlos sobre un fondo azul eléctrico. Con el uso de filtros, el azul se hará invisible para el espectador y vemos otro fondo como en la saga de Superman (1978-2006), donde el superhéroe vuela en medio de los rascacielos o de las estrellas. Actualmente, con el advenimiento del digital todo se hace por computadora.    

BRIGHTON, ESCUELA DE: no fue una escuela formal propiamente dicha sino el inicio del cine británico encabezado por  fotógrafos profesionales que construyeron sus propios equipos de cine e impresionaron sus primeras escenas naturales en las playas de Brighton alrededor de 1900. Ellos fueron: George Albert Smith, James Williamson y Alfred Collins. La importancia de esta “escuela”, como los denominó el crítico y escritor George Sadoul, fue la intención de experimentar con la cámara y probar las posibilidades de ese invento incipiente que marcaría las nuevas formas del lenguaje y la narratividad que se desarrollará más adelante. Ellos sacaron la cámara al exterior, filmaron en movimiento (travelling), incursionaron en temas que requerían una nueva sintaxis, alejándose de los cánones teatrales del Film d´art y de Georges Méliès. Así lo demostraron con sus películas sobre persecuciones Stop Thies! (1901) utilizando, para que la narración sea más efectiva, un rudimentario montaje que luego se extendería al resto de las cinematografías. También hicieron uso del primer plano y de los trucajes en films como A big swallow (1901), La lupa de la abuela (1900) entre otros.

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CAHIERS: “el cine es un arte personal, el realizador es un artista”, así definían y entendían a la figura del director, un grupo de ensayistas y cineastas franceses: Godard, Chabrol, Truffaut, Astruc, Rohmer, Rivette y Bazin. Los cahieristas, que teorizaban y entendían al cine como una política de autor, dejaron sus postulados en la revista que fundaron “Cahiers du Cinéma” a fines de la década del 50. Una revista, donde ejercitaron la crítica como teóricos y cinéfilos, y la que luego pondrían en práctica como directores. Ellos no distinguieron entre cine serio y de entretenimientos, sino que revisaron y redescubrieron el cine de Hollywood dentro de la historia del cine al valorizar la trayectoria del directo como persona individual y responsable del proyecto. Fue una de las revistas más importantes e influyentes sobre cine, no sólo por su contenido sino por haber incentivado el desarrollo de la crítica cinematográfica como ejercicio intelectual y enriquecedor del séptimo arte.

CÁMARA: es el equipo que permite captar imágenes sobre una película sensible que al ser proyectadas sobre una pantalla se verán en movimiento. La cámara de cine fue inventada por los hermanos Auguste y Louis Lumière en Francia el 13 de febrero de 1895, a la que llamaron cronógrafo o tomavistas y con ello nació el cine. La cámara Lumiére pronto salió a captar la realidad del mundo. El invento se popularizó y se extendió al resto del mundo.     

A medida que se usaba, los camarógrafos fueron probando con la cámara distintas posiciones frente a un objeto o personaje.  Eso dio lugar a una clasificación según la ubicación que tome:

• Cámara frontal: se coloca frontalmente respecto al rostro de la persona.
• Cámara de espalda: se ubica de espaldas al personaje.
• Cámara de perfil: cuando se coloca a 90º respecto de la cámara frontal. 
• Cámara de media espalda: posición intermedia entre la posición de perfil y la de espalda.
• Cámara de tres cuartos perfil: registro del rostro del personaje a 45º grados respecto a la cámara frontal.

CAMPO: es el espacio de la pantalla de cine donde se encuentran todos los objetos visibles contenidos en el interior del cuadro (véase definición).  Lo que vemos se relaciona con un espacio más amplio que existe a su alrededor. Por las características propias del cine, el espectador reacciona ante la imagen como lo hace ante la representación realista de un espacio imaginario que va percibiendo. Es “una ventana abierta al mundo”, como dijo el teórico francés André Bazin.

Hay otro término relacionado con el campo y que existe sólo en función de éste, el fuera de campo. Este término surge cuando algunos elementos (personajes, objetos, decorados, etc.) por más que no estén dentro del campo son asignados por el espectador de manera imaginaria a través de cualquier medio. Ej. Si un personaje dirige su mirada hacia los laterales del cuadro (bordes) y comienza a hablar, el espectador supondrá que alguien, que no vemos, está allí interactuando o escuchando a nuestro personaje.

Por último, la utilización y disposición de los elementos dentro del campo o fuera del campo corresponden a elecciones estéticas y estilísticas del realizador.

CASTING: todo lo que vemos en una película: actores, actrices, niños, niñas, y animales han sido seleccionados tras una prueba que determinará si son aptos o no para realizar un papel determinado. El director de casting es el encargado, junto a un equipo de colaboradores, de hacer una convocatoria donde se solicita determinado perfil, para luego poder seleccionar. Se hacen pruebas de cámara, de vestuario, de maquillaje y distintos ensayos frente a cámara. Se graban las pruebas y luego se comparan las distintas interpretaciones. Todo registro queda dentro de una base de datos, para poder ser consultado en otras ocasiones.

CINE CATÁSTROFE: grandes cruceros que se hunden con toda la tripulación, olas gigantescas que derriban ciudades, bajas temperaturas que congelan grandes capitales, volcanes que estallan bajo el asfalto, etc. El caos, la aparición de un héroe que trata de apaciguar la histeria colectiva y reparar el desastre apocalíptico que atraviesan, son algunos de los elementos de este subgénero que surgió más claramente en los años 70. Algunos ejemplos son: La aventura del Poseidón (1972), Infierno en la Torre (1974), Huracán (1978), Twister (1996), Titanic  (1997), etc.

CINE OJO: Traducción del término kino(camarógrafos) glaz. Bajo los ideales revolucionarios soviéticos de la década del `20, el cineasta y teórico ruso Dziga Vertov concibió al cine como un medio de comunicación masivo, a través del cual se podía lograr la concientización del pueblo a favor del socialismo y de la revolución como medio para alcanzarlo. Apostaba a un cine anti ficcional, sin actores, sin una historia inventada, sin decorados, porque la realidad era lo más importante para poder mostrar tal cual son las cosas. Vertov concebía a la cámara como un ojo, pero más despierto que el humano, un objeto capaz de evidenciar la realidad y resignificarla a través del montaje. Con su film El hombre de la cámara, su obra inspiró a muchos cineastas y amantes del documental.    

CINÉFILO/A: características: Un alto consumo de cine, sentir una atracción casi de enamoramiento con la pantalla grande, experimentar la dominación que ejercen las películas sobre la persona, sin culpa y con goce, aprender sobre ellas, conocerlas, hablar su lenguaje y por ende aplicar un juicio crítico sobre lo que se mira, no sólo por la experiencia sino por el conocimiento que se tenga sobre el cine. Básicamente, esas son las condiciones para ser un auténtico cinéfilo/a.

CINEMA VERITÉ: También llamado cine verdad, surgió en la década del 60 y uno de sus promotores fueron los cineastas y documentalistas Edgar Morin y Jean Rouch. Este último sostenía que la cámara servía para que la gente revele su propia naturaleza, sus fantasías y sea fiel a eso, además de introducirnos en sus vidas. “La cámara impacta, es un agente catalizador y revelador de la verdad interior”.

Con Crónica de un verano (1961),  preguntó a la gente frente a cámara y con micrófono en mano, si era feliz; interrogante nada casual para ser aplicado en una década de replanteos importantes dentro de la sociedad francesa. En esta clase de documental, el documentalista participa en las acciones que capta la cámara utilizando procedimientos “psicoanalíticos” para procurar la verdad.

Su raíz se basó en el cine de Dziga Vertov llamado kino-glaz o cine ojo (ver definición), pero conduciéndose hacia un estudio más antropológico y sociológico. 

CLASE A, CINE: es una clasificación que tiene en cuenta determinadas variables y que surgió como criterio de división en los años 30 hollywoodenses. Grandes presupuestos, costosas producciones, un elenco con importantes estrellas, producidas por los grandes Estudios cinematográficos, asociadas a un cine industrial y no de arte, realizadas por un director de trayectoria y renombre, una duración de dos horas o más y con un éxito casi asegurado por el público masivo. Como es bien sabido, el alto costo no implica necesariamente una alta calidad artística. Ej. Titanic (J. Cameron). 

CLASE B, CINE: contrariamente a la anterior clasificación. Estas películas acompañaban a las de clase A como un combo que se ofrecía al espectador también por las décadas del 30 y 40. Estas películas tienen menor costo, menor producción, están interpretadas por actores no tan conocidos o ignotos, provenían de estudios más chicos o independientes y de directores noveles o independientes. Una de las características de este tipo de cine es la experimentación y la libertad estilística, asociadas más al cine arte que al industrial. No todos los productos tienen esa orientación porque dentro de esta clasificación encontramos desde las películas de Jean Claude Van Damme hasta obras más personales como Un Maldito Policía de Abel Ferrara. 

CONTINUIDAD: cuando vemos que las imágenes fluyen en un continuun espaciotemporal, sin saltos bruscos entre las imágenes. Es una manera de  facilitar la comprensión narrativa de lo que se está contando. Es, para dar un ejemplo, todo lo contrario al zapping y a los videos clips, donde se pasa de una imagen a otra sin conexión aparente entre ellas. El cine clásico de Hollywood hizo de la continuidad una modelo de hacer cine y de contar historias.    

CINE CLÁSICO: el término clásico remite a algo que perdura en el tiempo como modelo, algo que masivamente ha sido aceptado y enmarcado en dicha categoría por el público y la crítica especializada, una obra que por su valor e importancia ha quedado dentro de la historia. Ej. La trilogía de El Padrino (Francis Ford Coppola).

También se designa a un estilo narrativo, impuesto por Hollywood y luego extendido al resto de las cinematografías, desde la década del 20 hasta los 60 aproximadamente, donde el discurso parece contarse solo sin la presencia de su autor como artista. Son obras que se van pareciendo unas con otras, no sólo en la manera de contarlas sino que apuntan a ser ideológicamente “correctas”. Modelos y estereotipos que dejan de lado toda innovación y experimentación estética. Ej. Qué bello es vivir (F. Capra).         

COMEDIA: el inicio del cine estuvo marcado por la comedia a partir de la legendaria El regador Regado (1896) de los Hnos. Lumieres, donde se realizó el primer gag de la historia del cine. Es un género de entretenimiento como el origen mismo del cine. Su carácter de espectáculo tomado del teatro imprimió las pantallas y la risa del espectador. Mack Sennett, Linder, Keaton, Chaplin, Los Hnos. Marx, Los tres chiflados, El gordo y el flaco, Peter Seller más las tortas de crema, las persecuciones, el absurdo, las torpezas, las caídas y los enredos más disparatados forman parte de uno de los géneros más difíciles de elaborar y el que más adeptos tiene.

Hay varios tipos de comedia:

-          Comedia romántica, se desarrolla en torno a enredos amorosos: Historias de Filadelfia (1940) de George Cukor

-          Comedia burlesca, basada en continuos gags y caos: Una noche en Casa Blanca (1940) de los hermanos Marx.

-          Comedia  americana, basada en los éxitos teatrales de Broadway que brilló en las décadas del 30 y 40.  Ninotchka (1939) Ernts Lubitsch.

-          Parodias, donde la imitaciones burlescas puede hacerse sobre: situaciones, películas anteriores, estilos y personajes: La pistola desnuda (1988) de Zucker.

-          Comedia animada, donde se mezclan actores con personajes animados. Quién engañó a Roger Rabbit (1988) Robert Zemeckis.

-          Comedia negra, se desarrollan temas donde la sátira juega un rol importante sobre temas, como la muerte, que nada tienen de alegres. Bailando en el cementerio (2002) Nick Hurran.
  

CO-PRODUCCIÓN: sistema de financiamiento compartido entre dos países para realizar una película. Se comparten actores, locaciones y personal técnico. Apunta a atraer al público de ambos lugares con lo cual, la apuesta al éxito es doble y, por ende, las ganancias compartidas.    

COMPAGINADOR: trabaja en la sección de montaje. Específicamente se encarga de ordenar y compaginar todos los fragmentos de la película: sonoros y visuales. Suele tener un ayudante de compaginación.

CORTADORA DE NEGATIVOS: trabaja en la sección de montaje. Se ocupa de cortar y armar los negativos originales de cámara. Efectúa la sincronización y los empalmes necesarios para su posterior uso en la máquina copiadora.     

CORTE: es una modalidad de montaje que se usa para pasar o cambiar de un plano a otro. Puede hacerse de manera notoria como un salto, para pasar a otra situación, a otro ambiente, a una imagen opuesta a la anterior, etc., o puede hacerse sutilmente para no entorpecer la continuidad del relato y pasar inadvertido frente al espectador que seguirá la acción. Un ejemplo del primer tipo de corte se da en Corre Lola Corre (Tom Tykwer); el segundo en el cine clásico norteamericano.

CORTOMETRAJE: es una película con una duración menor a media hora, ya que más de una hora sería largometraje. Es el paso previo para los realizadores que desean llegar al largo y un campo para la experimentación   En las Escuelas o universidades de cine es uno de los ejercicios iniciales para familiarizarse con el lenguaje cinematográfico. La síntesis argumental que requiere un cortometraje, implica todo un desafío, ya que en poco tiempo se debe desarrollar una trama argumental con las características narrativas de una historia: introducción, nudo y desenlace.

CUADRO: la proyección de una película se encuentra delimitada por sus bordes, como una pintura lo está a su marco, es una forma de contener la película que vemos, de limitar su extensión. El cuadro permite experimentar con la composición de la imagen a partir de la distribución de los elementos que se muestran. Junto con este término surge el fuera de cuadro, que se hace alusión al espacio donde se encuentra el equipo técnico, la producción y toda la realización.     

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DECORADO: es el marco de referencia y contención de los personajes de una historia. Un lugar donde trascurre la acción a desarrollar y que ambienta estéticamente las escenas. Los primeros decorados eran interiores, desde simples ambientaciones con un telón pintado hasta toda una construcción minuciosa y artística como en El Gabinete del Dr. Caligari. Luego ganó terreno la filmación en exteriores porque daba un mayor realismo a la narración, como fue con el western. Simples, suntuosos, realistas y fantásticos los decorados acompañan el proceso narrativo.  

DIÉGESIS: término cinematográfico si los hay. Por que se refiere al mundo que muestra el cine cuando nos cuenta una historia, todo lo que pertenece a la narración que se está desarrollando. No sólo es lo mostrado sino también lo sugerido, de lo cual lo mostrado es sólo parte.    

La ficción se relaciona con la diégesis, al representar un mundo creado por su imaginación y hasta con leyes y códigos propios como lo establecerán los géneros.

DIRECTOR: es el encargado principal de llevar a cabo el desarrollo de una película, quien la dirige en su totalidad. Dejando de lado el papel de la producción como iniciadora de un proyecto cinematográfico que es dado a un director para que la dirija solamente. El director independiente es el autor de una obra, considerado muchas veces como un verdadero artista. Su rol es muy amplio, desde producir la película, escribir el guión, hasta la  elección de los actores, las locaciones para filmar. Es el que indica cual es el mejor encuadre y el plano adecuado en una toma, que banda sonora es la más apropiada, etc., y es el que también participa del armado final de la película (posproducción) como su máximo responsable. El director puede imponer su marca personal como un sello inconfundible de calidad y estilo: “el cine de Bergman”, y también puede pasar desapercibido como el ejecutante de un rol más dentro del universo cinematográfico.      

DOBLAJE: es el cambio de las voces originales de la película por otras diferentes en la etapa de la posproducción, o sea al termino de la filmación. Se la puede doblar en otro idioma o en el mismo, lo pueden hacer los mismos actores u otros. Ayuda muchas veces a quienes les cuesta leer los subtítulos, o los que tengan dificultad en saber leer, se usa también cuando  se las exhibe por televisión dirigidas al público masivo.  

DOBLES: son quienes reemplazan a un actor o actriz en escenas riesgosas o de desnudez, o de algún tipo de destreza  que los actores no están dispuestos a realizar. Es parte de los trucos que usa el cine para que la ficción parezca lo más real posible, y para que la estrella en cuestión se luzca para nuestros ojos, aunque nos engañen los sentidos.   

DOCUMENTAL: el inicio del cine comenzó siendo un registro de la realidad,

una forma de “documentar” una porción del mundo. La tarea del documental es probar y demostrar algo que se propone: ej. Cómo viven los esquimales; cómo se reproducen las células, a partir de un argumento, seleccionando las imágenes y los sonidos que representen la mayor verosimilitud y objetividad posible.

Describe e interpreta el mundo colectivo. Su desarrollo deberá contar con juegos sintácticos y  estrategias retóricas para que todo lo que se muestre tenga una presencia tangible “Esto es así” y no está inventado, como la ficción. El documentalista construye “su” verdad y lo hace bajo un discurso denotativo apelando al espectador, porque su punto de vista estará relación a la postura que tenga a nivel político, ideológico, social, o moral.

Ej. Hacer un documental sobre el gobierno de G. W. Bush dependerá de la ideología que tenga el documentalista.

Desde el iniciador y recordado Nanook el esquimal de Robert Flaherty hasta los documentales recientes de Michel Moore, el documental es un género que indaga y reinterpreta el mundo.

DOCUMENTAL OBSERVADOR O CINE DIRECTO: Es un tipo de documental que surgió en los 60 y que se centró en registrar aquellos lugares ocultos u olvidados por la sociedad: Ej. asilos, neurospiquiátricos, etc. Con sus cámaras ocultas penetraban en lugares que antes no podían llegar o alcanzar. Las conclusiones quedaban en manos del público por lo tanto sus resultados eran ambiguos. No promovían nada, sólo observaban y el documentalista no se introducía dentro del film. Eran películas destructoras de estereotipos.  El autor aspira a ser invisible. Su verdad la encontraba en sucesos accesibles a la cámara, que la llevaba ante una situación determinada y se aguardaba hasta que se produjera una crisis.

Este tipo de documental se preguntaba hasta que punto la cámara influye en los hechos que se filman. 

El término de cine directo se refiere a los films de personas desconocidas o no famosas. En “El Vendedor” (Hnos. Maysles) se registra a un vendedor de biblias ofreciéndolas de casa en casa.

Fred Wiseman quien reflejaba las tensiones y esfuerzos de la sociedad en la clase media, sentía que la gente tenía derecho a saber lo que pasa a su alrededor. Ej. en “Titicut Folies” (1967) mostraba lo que sucedía dentro de un Instituto para insanos criminales.

DRAMA, GÉNERO: es la forma de presentación de acciones a través de su representación por actores y por medio del diálogo. El tono de la obra dramática puede ser tanto trágico como cómico. Como género cinematográfico, el drama está asociado a las tramas con conflictos entre los principales personajes. Historias de amores imposibles Los puentes de Madison,  injusticias raciales El color púrpura, conflictos internos  Mi pie izquierdo, basados en hechos históricos Garage Olimpo, etc. Utiliza un discurso que apela a la sensibilidad y la emoción del espectador, no sólo a través de los diálogos, sino de la música, la fotografía y del buen desempeño actoral.     

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EDITOR DE SONIDO: toda banda sonora se compone de música, sonidos, ruidos, efectos especiales y doblajes. El editor de sonido es quien se encarga de darles un orden como así también de obtener y ayudar a compaginar los ruidos y sonidos requeridos para la banda de sonido de una película.

EFECTOS ESPECIALES: el recordado ilusionista y cineasta George Méliès introdujo los trucos a la magia del cine. En principio se hizo desde la cámara durante el rodaje y/o manipulando los objetos. Todo efecto especial modifica lo filmado generando una nueva imagen. También se pueden generar en la etapa de posproducción creando objetos, personajes y hasta espacios nuevos. El advenimiento de lo digital, posibilitó la independencia completa de lo visto en pantalla con lo realmente representado en la realidad como era hasta entonces. Ya nada es imposible.      

ELENCO: se compone de todos los actores y actrices principales como también de los roles secundarios que participan en el desarrollo de una obra cinematográfica o teatral.

ENCUADRE: ¿Qué mira la cámara?, ese es el inicio del encuadre, el punto de vista desde donde se registra y se observa. Y cómo se lo hace, porque desde el lugar que se elija representará algo diferente, una porción elegida con un sentido narrativo y estético singular. Sobre el encuadre, Orson Wells basó toda su filmografía.

ENSAYO: etapa de entrenamiento actoral y de puesta en escena previa al rodaje donde se realiza la conducción actoral. En el ensayo, se compone el personaje, va surgiendo y se le da forma  relacionándolo con el resto de los roles y/o elementos que lo acompañan e influencian en su desarrollo interpretativo. Dentro del ensayo hay etapas que deben cumplirse, pero que quedan en manos del director el llevarlas a cabo. Comúnmente son las siguientes: elección de los actores, entrevistas personales, trabajo de mesa, improvisaciones, memorización de textos y pruebas (vestuario, maquillaje, decorados, etc.). 

ESCENA: toda película está compuesta y divida por escenas. Estás se componen de distintos planos que se unen bajo un mismo criterio de unidad de espacio o de tiempo para darle coherencia narrativa a la historia que se cuenta. También una misma escena puede tener un solo plano y contar algo.   

ESCENOGRAFÍA: es una de las áreas o departamentos principales dentro de la dirección de arte.  Se divide en dos grupos: la escenografía de exteriores y de interiores. Los exteriores pueden tener distintos estilos: Realista, Fantástico y Espectacular. Tienen que ser situacionales y geográficos, o sea demostrar las características del paisaje donde se hallan, la situación histórica y social en la que se enmarca la historia y la época donde se enmarca, deben ser concordantes. También deberá brindar una atmósfera adecuada para dar un marco de referencia a lo que se está contando y a los personajes que aloja.

Los interiores están relacionados más con el teatro, se dividen en: Clasicismo (donde prepondera lo arquitectónico), Naturalismo (utiliza telones pintados), Verismo (sus decorados son fantásticos o irreales); Romanticismo (usa decorados grandiosos enfatizando el contexto), Expresionismo (tiene la luz como interprete y lo pictórico), Realismo (hace uso de utilería de verdad para recrear con mayor verismo), Documentalismo (sus escenarios son naturales y de verdad).

La escenografía también se basa en la utilería. Las hay de dos tipos: la utilería de campo y la utilería de acción. En la historia del cine, los decorados de films como Ben Hour, Metrópolis, Ciudad Gótica, etc. han quedado en el recuerdo.

EESCENÓGRAFO: se desempeña dentro de la dirección de arte de un film. Su tarea consiste en hacer los bocetos, maquetas y diseños de la escenografía para luego llevarlos a cabo.

ÉPICO, CINE: grandes presupuestos, suntuosos escenarios, ambientación histórica, míticos personajes y la epopeya como algo grandioso son algunos de los pilares del cine épico, que se dedicaron a retratar temas religiosos o bíblicos como “Los Diez Mandamientos” o reconstrucciones históricas como “Ben Hour”. Tuvo su auge en Hollywood durante los años 50 y 60. Es un género que rescata valores colectivos representados bajo la grandilocuencia valerosa de los héroes.   

ESTÉTICA DEL CINE: La definición de estética del cine hoy implica el estudio del cine como arte, el estudio de los films como mensajes artísticos. Esta definición y concepción implica una idea sobre lo “bello”, sobre el gusto y del placer del espectador como del teórico. Su campo son los textos (los films) plausibles de ser leídos e interpretados.

ESHIBIDORES: Los eslabones en la industria cinematográfica están compuestos por tres sectores: la producción, la distribución y la exhibición. Este último se encarga de mostrar la película al público en sus salas, quedándose con el 50% aproximadamente de cada entrada vendida. En este ámbito, hay competencia en cuanto a la calidad de las salas donde se exhiben las películas, y en cuanto al tipo de películas que exhiben, algunas  se  dedican al cine arte y otras al cine de entretenimiento. Los costos de importación de películas extranjeras que no llegan a nuestro país o que no pueden ser adquiridas por la crisis económica, es otro problema que deben enfrentar. La mayoría de los films que se exhiben son de procedencia norteamericana, dejando poco lugar o tiempo de exhibición al cine periférico.

EXPRESIONISTA, CINE: Es un movimiento pictórico y literario que tuvo lugar en Alemania a comienzos del siglo XX y en otros países de Europa, en oposición al impresionismo. Los expresionistas no querían  reflejar el mundo de manera realista y fiel — al contrario que los impresionistas— sino, sobre todo, romper las formas. Su objetivo era transmitir sus emociones y sentimientos más profundos. Obras enérgicas y emotivas, que exponían temas como la guerra, la urbe, la fragmentación, el miedo, la pérdida de la identidad y el fin del mundo (apocalipsis). También reflejaban su percepción sobre la locura, el amor, el delirio y, la naturaleza. En el cine nunca hubo ningún movimiento ni escuela expresionista. El film alemán “El Gabinete del Dr. Caligari” (1919- Robert Wiene) es uno de los pocos únicos que se lo puede designar como film expresionista, dadas sus características pictóricas y escenográficas, como también por su representación actoral y su temática.

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FANTÁSTICO O FANTASÍA, CINE: lo fantástico es un género opuesto a los films meramente realistas. Tiene sus leyes propias, construye su universo paralelo, con seres y objetos que sólo son posibles en la fantasía. Generalmente el hombre y los seres sobrenaturales se relacionan y conviven con como en el Mago de Oz (Victor Fleming-1939). Las relaciones entre ellos como sus roles pueden ir desde una armoniosa convivencia hasta grandes luchas o peleas por quien ejerce el dominio sobre el otro. Abarca tanto a los films de terror El hombre invisible (James Whale-1933) como a aquellos meramente fantásticos la saga de La historia Sin fin (1984/90/94), Narnia (Andrew Adamson -2005), etc.  

FICCIÓN: contraria a la realidad, la ficción se despliega en el ámbito de la creatividad, de lo imaginado o soñado, y cercano a lo irreal, a lo ficticio, que se despliega de una manera paralela al mundo concreto y tangible. Un espacio para cultivar y desarrollar la invención volcada en relatos que otorguen ese contrapunto necesario, esa pausa merecida que nos reclama la existencia.

FILM D’ART: para que el cine se diferencie de la condición de entretenimiento como era considerado en sus inicios, y se lo incluya dentro de las artes nobles como la literatura y el teatro, había que darle herramientas más formales, una estética suntuosa, sofisticada, guiones bien elaborados, etc., de esa manera lograría autonomía, prestigio y pasaría a ser visto y consumido por otra clase de publico, uno más exigente y elitista. Así es que surge, en 1908 una Sociedad denominada Film D’art que llevó al cine obras teatrales de importantes autores con la participación de renombrados artistas de la época: actores, literatos y escenógrafos. El asesinato del duque de Guisa (André Calmette-1908) fue un ejemplo de obras que, entran en la categoría de teatro filmado y que se alejan del verdadero cine.    

FILMOGRAFÍA: es la información y relación que tenemos sobre las películas realizadas por un autor determinado, o las obras de un mismo género, que se ordenan cronológicamente. Sirve para conocer y estudiar la trayectoria de un artista a lo largo del tiempo, casi como una biografía.

FLASH-BACK: es un recurso que se utiliza cuando al narrar una historia en tiempo presente, se recurre a contar o a mostrar algo que ocurrió en el pasado y que le servirá al espectador y al desarrollo del relato. Es un volver hacia atrás, que no detiene la historia sino que lo hace para volverla más comprensiva e interesante. Pude ser utilizado en solo plano como los recuerdos en Hiroshima Mon Amour (Alain Resanais-1959), en una escena o en casi toda la película como Memento (Christopher Nolan-2000).    

FOTOGRAFÍA, DIRECTOR: es el encargado de la calidad de imagen que veremos en toda la película. Desde el tipo de textura que tendrá, el tinte cromático al que vire, la puesta de luces y de cámara, los filtros y las lentes que se adecuen y se adapten, de la mejor manera, a la historia que se está contando. Toda esa estética impuesta a la imagen de una película está a cargo del director de fotografía. Ej. En Pizza, Birra, Faso (Caetano-Stagnaro,1997) la elección de una textura de gran nitidez visual con una cámara fija, no le hubiera dado el mismo marco contextual que la historia necesitaba.  

FOTO FIJA: es quien se encarga de sacar fotos durante el rodaje para publicitar y promocionar la película. Trabaja dentro del área de la dirección de fotografía.

FOTOGRAMA: la película de cine se compone de una sucesión de fotos fijas, llamadas fotogramas. Su equivalente sería una palabra. Para que las palabras adquieran sentido, se las deberá leer de corrido. En el cine, la sucesión de 24 fotogramas por segundo (la velocidad utilizada para generar movimiento), determinará una gramática fílmica con la cual podemos contar algo, narrar historias o leerlas a través de las imágenes en movimiento.  

FREE CINEMA: fue un movimiento cinematográfico inglés que surgió en los 50, que pregonaba un cine libre y cercano al documental o al neorralismo, que contó con el apoyo del Instituto Británico del Cine. El surgimiento de todo movimiento proviene del contexto socio político que lo genera. En este caso, el desmoronamiento del viejo Imperio Británico al que los conservadores no quieren renunciar, la crisis del laborismo, la carrera de armamentos, la amenaza nuclear, la despolitizacion de las masas, el conformismo moral y la mediocridad cultural fueron algunos de los catalizadores que agruparon a diversos miembros rebeldes de la nueva generación que se dan a conocer en todo el mundo con la publicación del manifiesto de los jóvenes airados de 1958 del que son autores John Osborne, Lindsey Anderson y Carol Reizs entre otros. En el cine, los jóvenes cineastas necesitaban representar a los seres anónimos de la sociedad, lejos del formalismo de la burguesía y con la libertad formal y temática de creación. Rodaban con pequeños equipos y al margen de los estudios, poco presupuesto y una buena bandas sonora. La productora Woodfall Film será quien intente conceder una independencia al movimiento. Algunos de sus títulos y representantes fueron Lorenza Mazzetti con Together (1956), Lindsay Anderson con Dreamland (1953) y Momma don´t allow (1955) de Karel Reisz y Tony Richardson.

FFUERA DE CAMPO: Es un término relacionado con el campo y que existe sólo en función de éste, el fuera de campo. Este término surge cuando algunos elementos (personajes, objetos, decorados, etc.) por más que no estén dentro del campo son asignados por el espectador de manera imaginaria a través de cualquier medio. Ej. Si un personaje dirige su mirada hacia los laterales del cuadro (bordes) y comienza a hablar, el espectador supondrá que alguien, que no vemos, está allí interactuando o escuchando a nuestro personaje.

FUERA DE FOCO: como los signos de puntuación en la literatura: punto y coma, dos puntos, etc., el cine tiene los suyos. Una imagen la vemos nítida, cuando deja de estarlo y pierde definición se dice que está fuera de foco y se transforma en una imagen que simula ser fantasmal, onírica, alucinógena. También puede suceder lo contrario, estar fuera de foco y volverse nítida. 

FUNDIDO: Es otro signo de puntuación, otra transición. Entre ellos se encuentra el fundido y el fundido encadenado, entre otros. El primero alude a la transición que sufre un plano al ennegrecerse, o sea pasa a otro estado que alude a algo intertextual. Se lo llama fundido de cierre. Puede también fundirse a blanco. Otra variante es comenzar desde lo negro hasta formarse la imagen, llamado fundido de apertura. Con esta puntuación se pasa de una secuencia a otra. Los segundos, los encadenados, se manifiestan como la relación que va teniendo un plano con el otro simultáneamente, como encimándose. Un plano que se inicia y termina sobre el siguiente. En este caso, ambos, se relacionan continuando con la historia que se narra, no hay corte ni interrupción.

OSCAR: la entrega del premio Oscar es considerado para algunos como el máximo galardón para alcanzar dentro de la industria cinematográfica, para otros un show publicitario glamoroso, competitivo y recaudador. Desde 1927 es otorgado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. La codiciada estatuilla de 34 cm., 3 kg de peso y bañada en oro fue diseñada por el decorador Cedric Gibbons y realizada por el escultor George Stanley. Su denominación proviene de una anécdota que se cuenta por ahí: una de las secretarias de la Academia, Margaret Herrik al descubrir la estatuilla advirtió el parecido que tenía con su tío Oscar y lo comentó, a partir de entonces se le asignó dicho nombre. Algo incomprobable pero finalmente efectivo. La Academia cuenta con más de 5000 socios que votan a los futuros premiados en sus distintas categorías, las cuales fueron ampliándose con los años conjuntamente a la evolución cinematográfica que así lo requería. Como en todo Festival, en este caso el más globalizado, todo el cine debería tener un espacio para ser considerado y valorado, no es caso de cine arte y del cine periférico, quienes no logran pisar la cotizada alfombra roja, salvo en reservadas ocasiones. Entre los films galardonados se encuentran: El padrino (Coppola); Carrozas de Fuego (H. Hudson); Amadeus (forman); Pelotón (Stone); Secreto en la montaña (A. Lee), etc.

OBTURADOR: es un disco semicircular inserto dentro de la cámara que gira constantemente y que permite obturar y desobturar la luz que deberá llegar al interior de la película. Mientras la película se desliza sobre unos carriles de manera uniforme e intermitente frente a la ventanilla, el obturador hace medio giro para que la película avance y en la otra mitad del giro  desobtura el haz lumínico para que la película haga su registro. Todo ese proceso se hace a una velocidad de 24 fotogramas por segundo, llamado ciclo de la cámara, en el cual el obturador tendrá un tiempo de exposición de 1/48 segundos.  

OCULAR: en la parte posterior de la cámara de cine se encuentra el ocular, el cual permite visualizar lo que está encuadrando el objetivo a través de un sistema de prismas llamado sistema reflex. El operador puede saber lo que está registrando e ir ajustando las dioptrías que están en el ocular para lograr la puesta del foco. 

OBJETIVO: es un conjunto de lentes convergentes y divergentes colocados dentro de un cilindro que forman la parte óptica de la cámara. Su función es recibir la luz procedente de un objeto, modificar su dirección hasta crear la imagen óptica contra el soporte sensible (película). Los cilindros con las lentes se denominan objetivos fotográficos, que nos permiten tener un mayor dominio sobre la manera en que ingrese la luz a la cámara.

Tipos de objetivos: gran angular, tele-objetivo, normal, zoom y anamórfico. Ej. Si colocamos la cámara frente a una cuadra de un barrio, con el gran angular se captaran todas las casas, con el normal se captará una o dos casas y con el teleobjetivo se tomará la puerta de entrada de una de ellas.   

*El gran angular: se utiliza para poder registrar grandes espacios con profundidad para permitir que los objetos cercanos y lejanos queden en foco simultáneamente. Tiene la desventaja de deformar los objetos  que se encuentran en el borde y da una ligera sensación de aglobamiento.

*Normal: reproduce las mismas proporciones que el ojo humano.

*Teleobjetivo: se usa para captar objetos que están lejos y acercarlos hasta el detalle y los aumenta, aplana la imagen, tiene poca profundidad de campo y deja fuera de foco lo que está delante o detrás del objeto que capta, logra mucha nitidez y aumenta la luminosidad.

*Zoom: tiene una distancia focal variable para poder acercar o alejar algo.  Algunos lo llamaron “travelling óptico”. Se usó para generar distintos efectos estilísticos como mareos, vértigo, alucinación o claustrofobia. Tiene sus adeptos y también quienes lo rechazan y prefieren olvidarlo.                                              

*Anamórfico: son las lentes que comprimen la imagen en el rodaje para expandirla en la proyección ganando más visión en los bordes laterales de la pantalla. En 1953 fue registrada con el nombre de Cinemascope. 

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PEPLUM: es un género épico donde los heroes son aquellos que por su grandeza corporal, por su fuerza sobrehumana, su valentía y heroísmo luchan contra el mal, tomando como base la historia greco romana y la mitología. Brilló entre las décadas del 50 y 60. Hércules, Maciste, Espartaco, Sansón, Urdus, Aquiles, Goliat son algunos de los protagonistas de un género que debe su nombre a la crítica francesa de los 60 en alusión a la prenda usada por los griegos llamada peplo, que consistía en una túnica sin mangas abrochada al hombro.  

Monumentales escenografías y decorados, luchas cuerpo a cuerpo, mujeres hermosas con poca ropa, actores algunos provenientes del fisicoculturismo como Steve Reeves, Ed Fury, Gordon Scott, Mark Forest, Lou Ferrigno y hasta Rusel Crow fueron los rostros de esas batallas y peleas contra un tirano que oprimía a la población, entre los temas más usados. La superproducción italiana Cabiria (1914) inauguró el género a la que siguieron, entre otras: Los Últimos Días de Pompeya (1935), Hércules (1958), Espartaco (1960) La Venganza de Hércules (1960), El coloso de Rodas (1962); Maciste, el Gladiador más fuerte del mundo (1962), Gladiadaor (2000).

PERSONAJES: las historias se planifican y se van desarrollando a través de los personajes, entre otras cosas. Al escribir un guión surgen los protagonistas con sus roles. A ellos se les asigna una función determinada; sucesos a través de los cuales se narra la historia y de esta manera el relato avanza. Autores como F. Casetti entiende al personaje ante todo como persona, luego como rol y finalmente como actante. El verlo como persona es tomarlo como individuo con un perfil determinado en cuanto a lo intelectual, emotivo y actitudinal. En cuanto al rol, éste surge de la combinación de su sistema de valores, sus acciones y su carácter ej. Activo, pasivo, protagonista, conservador, etc. Por último, el actante se analiza en función del lugar que ocupa en la narración y lo que hace para que el relato avance, en cómo se estructura y qué efectos tiene dentro de la historia. Otros autores como Vladimir Prop llamaba actantes haciendo énfasis en la función/es que cumplían dentro de la historia, y A.J. Greimas, en cambio llama actor al que cubre varias funciones y actantes al que sólo hace una. Dentro del ámbito literario construye un modelo actancial con seis componentes, que se aplica también al cine: Sujeto (corresponde al héroe); Objeto (hacia donde se dirige el Sujeto); Destinador (el que fija la tarea o misión que hay que cumplir); Destinatario (el que recogerá el fruto); Oponente (dificultará la acción del Sujeto); Ayudante (ayudará al Sujeto). Vale aclarar que un mismo personaje puede ser simultáneamente o variablemente Objeto y Destinador, etc. Los personajes de cine tienen ciertas diferencias con respecto a los personajes de teatro y literatura: 1) el personaje existe sólo en la película filmada y 2) el personaje de ficción tampoco tiene existencia fuera de los rasgos físicos del actor que lo interpreta. El cine como industria y negocio elevó  la figura del actor hasta transformarla en estrella “el star system” al mitificar su figura. De esa manera, hay personajes que debido al éxito que obtuvieron repiten su rol ej. La saga de Indiana Jones (1981-2004); asimismo hay guiones escritos para un determinado actor y en función de él se hace el personaje, y/o se fijan caracterizaciones como la seriedad de Búster Keaton, etc.    

PLANO: es un fragmento de película que contiene una porción de tiempo y espacio, una unidad que se relaciona y delimita con otros planos en la etapa del montaje. El plano se relaciona con sus propias variables: tamaño, duración y movilidad. El tamaño varía según el encuadre que se haga sobre un personaje o espacio determinado:

Primerísimo Primer Plano (PPP): aquel que abarca toda la cara de un personaje hasta el mentón, inclusive.

Primer Plano (PP): es el que encuadra a un personaje desde la cabeza  hasta la altura de los hombros.  

Plano Detalle (PD): el que permite encuadrar una porción muy pequeña, un ojo, una boca, etc.

Plano Medio (PM): el que abarca desde la cabeza hasta la cintura.

Plano Americano (PA): se encuadra a un personaje desde la cabeza hasta las rodillas.

Plano Entero (PE): abarca el cuerpo entero de un personaje.

Plano General (PG): incluye una porción grande de espacio ej. Una playa, montañas, etc.

Plano Conjunto (PC): el que abarca dos o más personas de cuerpo entero.

Plano Master: consiste en filmar sin interrupción toda la acción que abarca el transcurso de una escena manteniendo el encuadre, luego se le intercalan distintos planos de corte pero con distintos encuadres en el montaje final. Esto permitió que los actores trabajen una escena de forma continua manteniendo su fluidez y concentración. 

En relación a la duración: pueden ser desde planos muy breves que duran segundos hasta muy largos, que incluyen minutos. El plano secuencia, es un caso particular de plano en el que se registran varios acontecimientos sin realizar ningún corte ni unión entre otros planos solo moviendo la cámara. Toda una película puede filmarse en plano secuencia.

La movilidad en el plano puede ser fija o móvil. Si es fija la cámara queda inmóvil durante el plano, si es móvil puede adoptar distintos movimientos:

Panorámica: es cuando la cámara rota sobre su eje con un movimiento de desplazamiento hacia los costados o de arriba hacia abajo. También se lo denomina paneo. Cuando el movimiento lo hace muy rápido y las imágenes parecen disfumarse se llama barrido.

Travelling: proviene de la palabra travel (viaje), cuando la cámara registra imágenes desde una superficie en movimiento: un barco, un auto, sobre carrilles etc. Los operadores de los Lumiére que recorrían el mundo con el nuevo invento fueron los primeros en descubrir esta manera de filmar. El travelling puede se ascendente o descendente, oblicuo, hacia adelante y atrás.

POLICIAL, CINE: policías y ladrones, criminales, justicieros, detectives, asesinos y sicarios, son algunos de los personajes que protagonizan un género de acción donde el bien y el mal, la justicia o la coacción, la violencia o el orden, la venganza y la corrupción son los ejes de las historias que representan: Harry, el sucio (1971); Tarde de perros (1975), Barrio Chino (1974), Buenos Muchachos (1990), la saga de Duro de Matar (1988). etc. Con su origen literario, en formato de folletín seriado el policial fue llevado a la gran pantalla. El género policial se divide en subgéneros como el cine de gangster Scarface (1º versión 1932- 2º versión 1983), el cine negro El Halcón maltés (1941), los serial killers Pecados Capitales (1995), y los films sobre narcotraficantes y secuestros que se adaptan a temáticas más actuales Hombre en llamas ( 2004).       

PRODUCCIÓN: es uno de los tres sectores que conforma la industria del cine, junto a la distribución y la exhibición. La producción se encarga de hacer la película. Implica tres etapas: pre producción, el rodaje y la post-producción. 

PRE-PRODUCCIÓN: o preparación de la película se ocupa de encontrar un guión, un director para llevarla a acabo, hacer un casting para elegir actores, buscar fondos para financiar la película, reunir un equipo técnico, y contratar los lugares o locaciones donde se filmará la película.

Rodaje: es la etapa  de filmación que incluye desde el primer hasta el último día, todos los gastos y necesidades que se producen durante el rodaje: catering, fletes, alquiler de grúas, estadías, viáticos, gastos administrativos, etc.

Post-producción: una vez finalizado el rodaje se realiza el proceso de montaje,  compaginación de todo el material con las bandas sonoras, los doblajes, la música hasta hacer la primera copia terminada, el revelado. Por último se planifica la promoción publicitaria de la película. 

PRODUCTOR: es el encargado de buscar los inversionistas que financiarán el proyecto a realizar, quien contrata al director, actores, personal técnico y los elementos  necesarios para llevarla a cabo. Vende la película a los distribuidores. Tiene un equipo formado por el productor ejecutivo, el jefe de producción y ayudantes de producción.  Sus actividades serían las siguientes: 

Productor ejecutivo: administra el presupuesto a seguir y realiza un plan de trabajo con las actividades a desarrollar en cada una de las etapas.

Jefe de producción: en la etapa de pre producción hace el desglose del guión para determinar los elementos que serán necesarios para realizar la película. Controla y administra los pagos diarios y los elementos que entran y sale durante la etapa del rodaje y será el enlace con quienes participen en la etapa de postproducción.

Ayudantes de producción: colaboran y asisten al jefe de producción.

PROFUNDIDAD DE CAMPO: es una técnica estilística que variando la distancia focal, o la apertura del diafragma, permite visualizar con nitidez la imagen de los objetos o las personas situadas dentro del campo. La ventaja que otorga la profundidad de campo se relaciona con las posibilidades que tiene el espectador de elegir lo que desea visualizar ya que todo se expone frente a la cámara, ya sea cerca, medianamente lejos o lejos. El director utiliza este recurso de manera estética sin mover la cámara y sin cortes posibilitando el juego de distintas lecturas. Para Bazin era un estilo en sí mismo, realista y democrático. Orson Welles supo utilizarlo con maestría en El Ciudadano Kane (1940).

PUESTA EN ABISMO: La expresión francesa "mise en abyme" o "mise en abîme" data del año 1893 y fue utilizada por el escritor André Gide. El término alude a la inclusión de otra imagen extraída de otro soporte dentro del campo cinematográfico como el VHS, el digital, una fotografía  Ej. Lola corre Lola (1998) de Tom Tykwer. Puede abarcar todo el campo o una fracción. La puesta en abismo no se aplica sólo al cine sino al resto de las artes: teatro, fotografía, pintura y literatura donde se denomina figura retórica.   

PUESTA EN ESCENA: toda película se compone de muchos elementos que se relacionan entre sí para generar un significado. Ninguna elección del director es arbitraria, o no debería serlo, ya que la manera de iluminar una escena, de mover la cámara, del sonido que utilice son elecciones entre muchas posibles y tienen un porque, un sentido. La gran pregunta al ver un film es indagar sobre el sentido de cada uno de esos elementos: para qué, a qué apunta, etc. Toda obra artística destinada a un público necesita completarse con la mirada y el trabajo intelectual del espectador. Todo lo que vemos y oímos en la pantalla, y desde donde lo vemos, o sea el punto de vista que adopte el realizador para mostrarnos algo y conducir nuestra mirada, será parte de la puesta en escena armada por el realizador y completada por el espectador, en su carácter de persona activa. Por lo tanto, toda película tendrá tantas interpretaciones como miradas haya sobre ella. Es un lenguaje a traducir.

PUNTO DE VISTA: Existen tres conceptos vinculados al término punto de vista: 1) Físico: el lugar desde el cual la cámara toma la acción; 2) cinematográfico: desde el cual se cuenta la historia, está relacionado con la narrativa y 3) moral: la visión del mundo que tenga el director, su ideología, su ética, su sensibilidad, etc.

En relación al punto (2, referido al lugar desde donde se mira un film, ¿qué se muestra?, ¿qué se oculta?, ¿cuánta información tiene el espectador? y ¿cuánto desconoce?. El ver y el saber se relacionan con la conducción del relato, ya sea por alguien interno (personaje/s) o externo (narrador). Pero, para evitar tantas acepciones y confusiones al término, autores como Gerard Gennette y Francois Jost sustituyen el término “punto de vista” por el de Focalización y Ocularización.

Actualmente, el punto de vista se vincula al punto 3), ya que al hacer un film todo autor parte de un punto de vista, una toma de posición subjetiva con respecto a un tema. Será un discurso orientado visual y narrativamente a su modo de pensar y sentir. Una coherencia que se deberá percibir a lo largo de la película. El punto de vista de un film podrá ser o no compartido e interpretado por el espectador. Ej. El cine documental parte de una toma de posición para abordar un tema ej. Memorias del Saqueo (Fernando Pino Solanas), extrae una parte de la realidad para resignificarla.

TEORÍA DEL CINE: todo campo teórico se crea para conocer y comprender con mayor profundidad un objeto o fenómeno determinado. Para abordarlo se indaga y se estudia sus características, componentes y su relación con el resto de los objetos y/o entorno. Cada teoría hace un recorte de su objeto de estudio, porque una teoría no puede abarcar ni explicar el todo. En el cine, no hay una teoría, sino varias. Cada una toma una parte del lenguaje cinematográfico para estudiarlo. Ej. Los soviéticos orientaron su teoría hacia el montaje y los franceses hacia la imagen. Otras disciplinas como la sociología, la lingüística, el psicoanálisis, la semiología aportaron sus conocimientos con un análisis del cine desde su perspectiva disciplinaria que lo han enriquecido. Las teorías cinematográficas son herramientas analíticas que repensaron el cine y profundizaron su grado de observación.     

THRILLER: significa estremecer, espeluznar. Se caracteriza por utilizar distintos mecanismo narrativos para provocar inquietud e involucrar al espectador. El thriller no es un género en sí mismo, sino que participa dentro de otros géneros: policial, suspenso, espionaje, erótico. El héroe de los thrillers transita situaciones intensas, debe frustrar los planes de un enemigo, prevenir crímenes, o algún ataque terrorista, etc. Se mueve ante situaciones peligrosas y/o violentas. El misterio también se da lugar y el protagonista puede ser una víctima más. Incorpora elementos del suspenso y efectos sorpresa para mantener la atención del público. Ej. En la línea de Fuego (1993); Los sospechosos de siempre (1995); Jade (1995); The Game (1997); Telarana (2001); El código Da Vinci (2006) etc. 

TÍTULOS: ingeniosos, creativos, clásicos, metafóricos, los títulos pueden tener dos características: 1) informativa, al presentar a quienes participan y hacen la película y 2) narrativa, cuando sus diseños pasan a ser un anticipo metafórico del film, en este caso los títulos se involucran de distintas maneras dentro de la película. Sus modalidades fueron cambiando a  lo largo del tiempo al igual que su estética.

Los títulos, muchas veces, llevan una marca autoral, a través de ellos se reconoce al director o diseñador como Woody Allen quien siempre usa la misma tipografía sobre el mismo fondo oscuro, o las presentaciones características de los films de A. Hitchcock diseñados y creados por Saul Bass, quien introdujo una nueva modalidad en el uso de los títulos. La mayor creatividad se utiliza en los títulos del inicio de la película que son más breves, en cambio los créditos finales que, abarcan muchísimos rubros y personas, no han sufrido mayores modificaciones. Ej. La saga de El hombre araña (2002-7), los films de James Bond, Psicosis (1960), Manhattan (1979) etc.    

TOMA: es una porción de tiempo y espacio (plano/s) registrada por la cámara desde que se enciende hasta que se apaga, momento en que se escucha la orden de              -“corte!”-. Según el director de la película, las tomas responden a un criterio variable. De un mismo plano pueden hacerse varias tomas, para elegir la mejor, o hacer simplemente una sola.       

TRAMA: Dentro del cine narrativo y en relación con la historia o sea con el “qué” se cuenta, la trama representa el “cómo” se cuenta. La trama tiene los elementos esenciales que hacen posible que el accionar de la historia avance, retroceda o se desvíe.   

TRANSICIONES: forman parte del lenguaje cinematográfico. Son como los signos de puntuación en la literatura, las marcas sintácticas. Se utilizan para separar, relacionar y unir distintas secuencias o planos. Hay distintos tipos de transiciones que se realizan en la posproducción: fundido, fundido encadenado, fuera de foco, vuelta de hoja, congelado, sobreimpresión, imagen dividida, entre otras. Ej. La vanguardia francesa de la década del 20 utilizaba mucho la sobreimpresión; el personaje fuera de foco de Los Secretos de Harry (1998).      

TRANSPARENCIA, CINE: el término transparencia está relacionado con el tipo de montaje, con la estética elegida para una película y con un discurso que se orienta a ser lo más claro posible para el espectador, donde los hechos de la película fluyen  cómo si se contasen solos. El concepto de “transparencia” radica en mostrar y privilegiar lo que sucede en la película, en detrimento de ver al film en sí mismo o sea cómo se hizo. Dejar fluir los acontecimientos, dándoles una continuidad y homogeneidad narrativa que contengan el mayor verismo posible y sin que el montaje modifique una situación determinada. El crítico y cineasta André Bazín fue uno de los defensores del cine de la transparencia. Ej. el cine clásico de Hollywood, el neorrealismo.    

TRANSPOSICIÓN: designa la idea de traslado, de poner algo en otro lugar, y de sacar ciertos modelos de uno, pero pensando en las formas y sistemas del otro. Es una manera de dar lugar al cine como medio artístico autónomo dotado de riqueza y amplitud de lenguajes. Es una forma de respetar el lenguaje de otras artes como la literatura y el teatro, aunque caer en comparaciones es un vicio erróneo, que se hace al ver una obra de teatro llevada al cine Ej. Relaciones Peligrosas (1988). Hay muchos tipos de transposición: de la historieta al cine (La serie Batman, X-Men), de la filmación o grabación en vivo a la animación Viaje a las estrellas (1966), Tarzán (1934) o a la inversa Los picapiedras (1960) y de la serie televisiva al cine Sex & the City (2007), Las Vacaciones de Mr. Bean (2007). La transposición puede no implicar un cambio de medio o lenguaje, pero sí de género cuando una obra dramática se transforma en  parodia; asimismo, hay cambio de medio y de lenguaje cuando se pasa de la literatura o teatro a la gran pantalla ej.  Los Miserables (1998), Chicago (2002).

La riqueza de la transposición consiste en tener la posibilidad de observar los recursos expresivos de cada medio sobre una misma obra o idea.       

TRAVELLING: proviene de la palabra travel (viaje) y se produce cuando la cámara registra imágenes desde una superficie en movimiento: un barco, un auto, sobre carrilles (vías) etc. Los operadores de los Hnos. Lumiére, que recorrían el mundo con el nuevo invento, fueron los primeros en descubrir esta manera de filmar al subirse a un bote y registrar imágenes desde allí. El travelling puede hacerse ascendente o descendente, oblicuo, hacia adelante y/o hacia atrás. Ej. el inicio de Psicosis (1960), el recorrido en taxi en Taxi driver (1976), etc.

TRUCAJE: el crítico y teórico Christian Metz decía que el cine en su conjunto es un extenso trucaje. El acelerado, el montaje, la cámara lenta, inversión de la banda, la sobreimagen, son algunos de los trucos que intervienen en el relato con un fin determinado. Hay trucajes imperceptibles como el montaje narrativo del cine clásico, o cuando se usa un doble de riesgo reemplazando al actor principal, y los visibles cuando se usan las marcas de puntuación. George Méliès fue uno de los pioneros en trasladar sus trucos de magia a la gran pantalla, al descubrir que el cine provee la materia prima para que así sea. En definitiva, toda película es una gran ilusión, el público lo acepta y disfruta de su magia.